Archive for the ‘Americana’ Category

Einmal fragil, einmal vital

3. November 2013

Beobachtungen bei zwei Dylan-Konzerten in BerlinBobDylan_Logo_Komplett

Selbe Stadt, selbe Halle, selbe Setlist und doch schaffte es Bob Dylan an zwei Abenden in Berlin zwei völlig verschiedene Konzerte zu geben.

Dem Bob Dylan, der am Freitagabend (25.10.) auf der Bühne des Tempodroms stand, sah man seine 72 Jahre an. In der Physis: Fragil und zerbrechlich wirkte er. Schien angestrengt vom langen Stehen. Von seiner Haltung in der Performance: In sich gekehrt und zurückhaltend wie lange nicht. Stürmte er im Herbst 2011 fast schon mit einer Punk-Attitüde durch seine Songs, und gerierte er sich im Sommer 2012 fast schon als fröhlicher Entertainer, so war dieser Dylan an diesem Herbstabend 2013 so unzugänglich wie lange nicht mehr.

Und dennoch gelang ihm ein schönes Konzert. Zart war es, gedämpft und leiser als noch vor wenigen Monaten. Und die Songauswahl – die auch momentan noch genau die Gleiche ist – ist genial, die Stücke stark in Aussage und Arrangement. Am Freitag hangelt er sich sehr routiniert durchs Programm. Ein gutes, solides Konzert. Aber mit Luft nach oben.

Am Samstag kommt ein ganz anderer Dylan auf die Bühne. Frisch, stark und vital wirkt er. Seine Stimme ausdrucksvoller. Er durchlebt jetzt wieder die Songs. Überirdisch gute Versionen – für mich die Highlights des Konzerts – von „Simple Twist Of Fate“ und „Long And Wasted Years“.  „Twist Of Fate“ – veröffentlicht 1975  und eine Reflexion über flüchtige und langlebige Liebe – paart in der 2013er Version die leidenschaftliche, fragende Beobachtung des damals 34-jährigen Mannes mit dem abgeklärten altersweisen Wissen des heute 72-jährigen.

Das ganze Konzert steuert unaufhaltsam – und so hat es Dylan auch geplant – auf den Höhepunkt zum Schluss hin: Das bitterbös, gallig-traurige „Long And Wasted Years“. All die vergeudeten Jahre! Feine Ironie für einen, der eine 50 Jahre andauernde Weltkarriere vorzuweisen hat. Wie er den Song und dessen unangenehme Wahrheiten regelrecht „aufführt“, die Verse wunderschön böse zerdehnt, ironisch verlängert oder gar rotzig ausspuckt, ist faszinierend. Man fiebert der Auflösung all dieser Fragen, Vorwürfe und Erinnerungen entgegen: „Long And Wasted Yeaaars!“ singt/ruft Dylan. Tusch und Schluss. Perfekt!

Die Zugaben sind wirklich nur noch hinten dran geklebt. Wobei das 2013-Arrangement von „All Along The Watchtower“ nun wieder näher an seiner Originalversion von 1968 ist, als an der von Jimi Hendrix. Und „Blowin‘ In The Wind“ bleibt in bestens bewährten Gospel-Soul-Version.  Würdiger Abschluss eines tollen Konzertes.

Nun steht noch ein dritter Konzertbesuch in Luxemburg an. Und wieder ein anderer Dylan? Alleine diese Frage lässt schon das Reisefieber steigen.

Long And Wasted Years

18. Oktober 2013

Bob Dylans startet seine Europa-Tour bemerkenswert

DylanconcertBlicken wird doch zuerst einmal auf die Setlist der ersten Konzerte in Skandinavien. Denn schon da macht sich Dylan-typischer Humor breit. Die Konzerte beginnen mit „Things have changed“ der klaren Ansage, dass sein früher Klassiker „The Times They Are A Changin'“ schon seine unumstößliche Wahrheit hat, wenn auch anders als gedacht. Denn die Gesellschaft hat die Menschen verändert und nicht umgekehrt.

Und sie enden mit „Long And Wasted Years“! Also alle Jahre sinnlos verschwendet? Für Dylan trifft das vielleicht gerade einmal auf eines der fünf Jahrzehnte seiner Karriere zu, nämlich den 1980ern. Und so spielt er denn auch derzeit konsequent Songs aus den 60ern, den 70ern, den 90ern, den 2000ern und ganz viele seiner neuen Platte. Alleine die genialen Ausnahmen „Blind Willie McTell“  und „What Good Am I?“ finden den Weg aus dem von Ronald Reagan und Michael Jackson geprägten Jahrzehnt.

Kein Künstler dieser Bedeutung würde zudem es wagen, ein Konzert ohne seine größten Hits zu bestreiten und den Fokus auf das Alterswerk zu legen. Normalerweise wird das immer im ersten Teil des Konzerts erledigt, bei Dylan ist es umgekehrt, er reiht wie auf einer Schnur alleine drei Songs seines letzten Albums am Ende des zweiten Teils des Konzerts auf. Kein „Tambourine Man“, kein „Like A Rolling Stone“, kein „Times They Are A Changin'“, kein „Knockin‘ On Heaven’s Door“. Erst bei den Zugaben hat er ein Einsehen. „All Along The Watchtower“ und „Blowin In The Wind“, letzteres in seiner seit einigen Jahren gespielten Gospel-Soul-Version.

Das bemerkenswerteste ist aber, und damit kommen wir wieder zum Beginn, ist die zentrale Bedeutung von „Long And Wasted Years“ im Konzert. Er war zwar einer meiner Favoriten auf „Tempest“, doch in der öffentlichen Wahrnehmung lag er hinter dem Titelsong, der John Lennon-Hommage „Roll On, John“ und „Duquesne Whistle“ klar zurück.

Und doch entfaltet sich hier Dylans Erzählkunst in ganz großer Weise. Wie er schonungslos negativ er ein Leben bilanziert ist ergreifend und demoralisierend zugleich. Liebe gab es in der Beziehung der Protagonisten nur damals ganz kurz am Anfang. Ansonsten eine einzige Folge von materiellen und immateriellen Verlusten. Und dann wacht man eines Tages auf und muss zusammen heulen wegen dieses elenden, verschwendeten Lebens. Grauslig. Dylans Gesangskunst (!) ist auf der Platte schon großartig. In der Bühnenperformance steigert sie sich nochmal in einen dramatischen Abgesang. Und wirkt als perfekter Verfremdungseffekt. Denn dieses kreative und geniale Künstlerleben – so stellen seine faszinierenden Konzerte wieder unter Beweis – war alles andere als „long and wasted“. Wir hoffen, es erfährt noch eine lange Fortsetzung.

Long And Wasted Years, Stockholm 2013:

Die Musik in den Filmen der Coen-Brüder

6. Oktober 2013

Premieren-Veranstaltung zu „Inside Llewyn Davis“ im Darmstädter Programmkino Rex am 5. Dezember

inside_llewyn_davis_xlgIn vier der wichtigsten Filmen von Joel und Ethan Coen spielt die Musik eine besondere Rolle. In „The Big Lebowski“ hat T-Bone Burnett einen Soundtrack kreiert, der in steter Interaktion zum Filmgeschehen und dessen Protagonisten steht. Er spiegelt die Person des „Dude“, sein Wesen und die Handlung perfekt wieder.

In „O Brother, Where Art Thou?“ gehen die Drei einen Schritt weiter. Die Musik – hier die Old Time, Blues, Country und Bluegrassmusik – sind Teil der Handlung, weil Sie ein Teil des Mythos des amerikanischen Südens darstellen.

In „Ladykillers“ untermalt Burnett mittels des Soundtracks ein musikalisches Panorama des (gut)-gläubigen schwarzen Südens.

Und in „Inside Llewyn Davis“ geht es um einen Künstler zur Zeit des Folkrevivals im New Yorker Greenwich Village. Dave van Ronk lieferte die Vorlage und der Dylan-Mythos viel an Stimmung für diesen Film. Burnett hat hier einen Soundtrack kreiert, der die damalige Folkmusik von van Ronk und Dylan zusammenbringt mit den heutigen Neo-Folkern wie Marcus Mumford.

Wer mehr über die Beziehung Burnetts zum filmischen Werk der Coen-Brüder erfahren will und was Bob Dylan mit alledem zu tun hat, der sollte am Donnerstag, 5. Dezember, nach Darmstadt ins Programmkino Rex kommen. Das hier nur kurz angeschnittene Thema wird vom Autor dieser Zeilen in einem Vortrag vertieft und die genialen „DoubleDylans“ spielen auf, bevor dann „Inside Llewyn Davis“ gezeigt wird.

Beginn ist 20 Uhr, der Eintritt beträgt 12 Euro, für Schüler und Studenten ermässigt 10 Euro. Karten im Vorverkauf gibt es an allen Darmstädter Kinokassen und unter http://www.kinos-darmstadt.de.

Eggers und Sullivan

6. September 2013

EggersGanz banausig teile ich mal schnell die zeitgenössische amerikanische Literatur in drei Lager. Da haben wir einmal die Fords, Austers und De Lillo mit ihrer Ostküsten-Establishment-Perspektive auf Anwälte, Banker oder Hochschullehrer. Dann haben wir die Irvings und Boyles mit ihren abgedrehten Typen und Geschichten, die ich allgemein zu bemüht und zu verschwurbelt finde. Und dann gibt es die jungen, interessanten Typen, die Geschichten über das heutige Amerika, das zerrissene, entsolidarisierte, weltpolitisch und wirtschaftlich im Abstieg befindliche Amerika schreiben. Und von wirklichen Menschen und von wirklichen Geschehnissen etwas zu sagen haben.

Beispielhaft hierfür sind Dave Eggers und John Jeremiah Sullivan. Eggers hat mit „Zeitoun“ und „Ein Hologramm für den König“ zwei hervorragenden Bücher über Amerikas Rolle in der globalen Welt und dessen Abwehrkampf innen wie außen geschrieben. Dem syrisch-stämmigen Zeitoun hilft die Überanpassung an den amerikanischen Geist – Unternehmer sein, fleißig sein, gute Nachbarschaft leben – überhaupt nichts, als die amerikanischen Ordnungskräfte mit den Folgen des Hurrikans Katrina umgehen, als seien sie im Anti-Terror-Krieg. Weil er Araber ist, wird er interniert. Dem US-Manager Alan Clay verzweifelt im „Hologramm“ in der islamischen Gesellschaft Saudi-Arabiens am Niedergang der amerikanischen Industrie und dem Aufstieg Chinas als konkurrierende Weltmacht.

John Jeremiah Sullivans Pulphead-Reportagen berichten aus dem Innern einer beschädigten Nation. Ob christliches Rockfestival, Disneyworld oder „Guns N‘ Roses“-Frontmann Axl Rose. Sullivans Miniaturen zeigen die Absurdität des verlebten amerikanischen Traums. Sullivan schreibt süffig, ironisch und plastisch ohne jede überflüssige Wende oder Drehung.

War Eggers Debütroman noch einer von der geschwätzigeren Sorte, hat er mit den Jahren gelernt, seine Prosa durch Reduktion zur Entfaltung zu bringen. „Zeitoun“ ist dokumentarisch und doch spannend wie Fiktion. „Ein Hologramm für den König“ ist Fiktion und liest sich doch fast wie eine nüchterne Bestandsaufnahme des Scheiterns. Das individuelle Scheitern des Alan Clay als Parabel auf das Scheitern Amerikas.Sullivan

Es stimmt zuversichtlich, dass dieses Land solche Autoren hervorzubringen vermag. Ihre Literatur und ihr gesellschaftliches Engagement in Selbsthilfeprojekten und NGOs zeigt aber auch, dass auf die Politik in den USA kein Pfifferling mehr gesetzt wird. Die Syrien-Politik des Friedensnobelpreisträgers Obama ist das neueste Zeichen dafür, dass die politische Klasse Amerikas abgewirtschaftet ist. Ohne Idee, ohne Moral, ohne Koordinatenkreuz. Hau-Drauf-Politik anstatt wirklicher humanitärer Verantwortung. Am Ende seiner Amtszeit erweist sich der Hoffnungsträger Obama als hoffnungslos ins System verstrickter Scheinriese. Traurig.

Zwischen „Americanarama“ und „Another Self Portrait“

9. August 2013

Nie war Dylan so sehr „Vater des Americana“ wie in diesen TagenAmericanarama

So, nun ist sie schon wieder Geschichte: Die von uns Dylan-Fans so gehypte Americanarama-Tour. Gehypt und das mit Recht: Wilco, My Morning Jacket, Ryan Bingham, Richard Thompson, Bob Weir, Garth Hudson, Nancy Sinatra, Jackson Browne  – sie alle spielten im Vorprogramm oder als Gäste Bob Dylans auf dieser Tour. Dazu noch historisch zu nennende Song-Darbietungen, deren absoluter Höhepunkt „The Weight“ vom Trio Dylan/Tweedy/James war. Ein toller Packen Musik mit einem gut inspirierten Meister mittendrin.

Eine Tour – Drei Lead-Gitarristen

Soweit so gut. Doch Bob Dylan wäre nicht Bob Dylan, wenn er nicht auch im 51. Karrierejahr Kontroversen und Irritationen auslösen würde. Da war die Sache mit den drei Lead-Gitarristen, die diese Tour verschlungen hat. Irgendetwas zwischen Dylan und Robillard passte nicht. Ob da wirklich einmal hineinklimpern ins Mundharmonika-Solo als Trennungsgrund reicht? Wir wissen es nicht. Dann kamen mal Charlie Sexton und mal Colin Linden zum Einsatz. Warum und nach welchem System der eine hier, der andere dort spielte, wurde nie recht klar. Der Qualität der musikalischen Performance tat dies keinen Abbruch und so sind wir gespannt, wer uns dann in Europa an der Gitarre beehren wird.

Das alte Presselied

Noch ärgerlicher dann aber die Lust mancher Journalisten, Dylan nieder zu schreiben. Nach dem Motto „Anti-Klimax“, „sollte sich ein Beispiel an seinen jungen Bühnenpartnern nehmen oder eben abtreten“. Uih, da waren einige richtig gut bei der Sache. Doch Dylan war vielleicht nicht so gut wie beispielsweise im Sommer 2012, aber so schlecht, wie dargestellt, war er nicht. Er kommt halt schlecht weg, wenn Künstler vor ihm auftreten, die konventionellere Performances abliefern, nett „Danke“, „Bitte“ und How Are you?“ sagen. Dylans Live-Musik ist bei den schnellen Stücken mitunter Hau drauf-Mucke, aber bei den Mid-Tempo und langsamen Sachen entfalten sich schöne Arrangements, die Dylans alte Rabenstimme wunderbar zur Entfaltung bringt.  Wer das nicht hört, ist selber schuld.

Another Self PortraitDer logische Weg von Self Portrait zu Americanarama

Mit seiner Americanarama-Tour hat sich Dylan erstmals ganz offensiv als Americana-Künstler verortet. Dabei war er derjenige, der es als „Vater“ mit seinen Kumpels von „The Band“ 1967 im Keller von Big Pink aus der Taufe gehoben hat. Weil er sich nach dem Ausstieg aus dem Rock-Pop-Zirkus wieder festen Boden unter den Füßen verschaffen wollte. Und diese Aneignung der traditionellen amerikanischen Musik inmitten von Avantgarde, Psychedelic und Rebellion nahm man ihm übel. Man suchte halt dringend nach Anführern für eine kulturelle Rebellion. Das wusste Dylan und wollte dies partout nicht sein.

Sein Schwenk zur Countrymusik wurde daher achselzuckend und verstört, sein Album „Self Porträt“ fast schon hasserfüllt aufgenommen.  Denn da sang Dylan einfach nur Folk-, Country-, Blues- und Popsongs. Mit angenehmer Stimme. Aber: Im musikalischen Zuckerguss der Postproduktion ertränkt. Ohne Overdubs und Background-Gesang entdecken wir wunderbare Songversionen.  Wir werden „Another Self Portrait“ hören,und wenn das stimmt, was derzeit zu lesen ist, so dürfen wir Dylan nur eines vorwerfen: Er hat den Produzenten damals seine Aufnahmen zukleistern lassen. Ob er das so wollte oder nicht, lässt sich momentan immer noch nicht sagen. Nur: Mit der Gesamtschau der Aufnahmen von 1969 – 71, mit „Another Self Portrait“ lässt sich Dylans musikalischer Weg dieser Jahre, der auf dem Original-Album „Self Porträt“ so seltsame Wendungen zu machen scheint, endlich deutlich erkennen. Es lohnt sich, denn es war ein guter und wichtiger Weg für den Künstler und schaffte Grundlagen für manch großes Werk späterer Jahre. Und eben auch für Americanarama.

Und hier geht’s zum Video der „Another Self Portrait-Perle“ „Pretty Saro“:

http://www.rollingstone.de/news/meldungen/article457530/bob-dylan-videopremiere-zur-archivperle-pretty-saro.html

The Weight

27. Juli 2013

the-band-the-weight-capitol-5Der Song ist mittlerweile ein amerikanischer Klassiker: So wie „Will The Circle Be Unbroken“ von der Carter Family, „This Land Is Your Land“ von Woody Guthrie oder Bob Dylans „I Shall Be Realeased“. Allesamt Songs, die archetypisch amerikanische Mentalitäten und Figuren, Träume und Mythen in Musik und Text festhalten, um dann zur Hymne zu werden: Sei es der ewige Kreis der Generationen, das Bewusstsein, ein großes Land mit Platz für Alle zu sein oder der ewige Traum von Befreiung und Erlösung.

Der Song, um den es hier geht, ist „The Weight“, erstmals aufgenommen von „The Band“ für „Music from Big Pink“ 1968.  Die Songrechte besitzt „Business Man“ Robbie Robertson, geschrieben wurde er von „The Band“ gemeinsam, doch für immer verbunden sein wird „The Weight“ mit dem im vergangenen Jahr verstorbenen Levon Helm, dem Sänger und Schlagzeuger von „The Band“. Der Song wurde zu seiner Erkennungsmelodie. Wahrscheinlich, weil Levon Helm wie kein anderer aus „The Band“ die amerikanischen Mythen und Träume verkörperte. Er wollte nur ein einfacher Musiker aus den Südstaaten sein. Liebte sein Land und den lieben Gott. War aber alles andere als bigott, wie so manch anderer aus dem Bible Belt. Er sog als Junge Blues, Gospel, Soul, Rock und Country in sich auf, kannte Juke Joints und Honky Tonks und das pralle Leben, das sich dort abspielte. War keiner für den Popzirkus und wurde zum Weisen des Americana, ehe er den Kampf gegen den Krebs verlor.

Biblische Anspielungen und surreale Bilder
Die Bedeutung und Aufmerksamkeit, die „The Weight“ zukommt, liegt in der Erzählweise des Songs genauso wie im auftretenden Personal und seiner Interpretierbarkeit. Ein Song mit biblischen Anspielungen und surrealen Bildern, gleichermaßen zwischen Bibel und Bunuel angesiedelt. Zum Inhalt: „The Weight“ erzählt im Land der „Road Movies“ natürlich von einem Reisenden, einen Umherziehenden, den es nach Nazareth verschlägt, weil ihn seine Freundin Fanny dahin geschickt hat. Er soll, und das lastet quasi als Gewicht auf ihm, unzählige Leute dort von Fanny grüßen. Die biblischen Anspielungen – der Reisende bekommt in Nazareth kein Zimmer – sind klar, zudem gibt es in „God’s Own Country“ unzählige Nazareths in -zig Bundesstaaten. Konkret soll es sich hier aber um Nazareth, Pennsylvania, handeln, der Sitz der Martin-Gitarrenfabrik. In Nazareth begegnen ihm eine Reihe Menschen. Teilweise sind sie Freunden und Bekannten von „The Band“ nachempfunden, teilweise stehen sie für archetypische Figuren und Verhaltensweisen. Der Teufel steht für das Böse und der Teufel, der Erzähler und Carmen stehen in ihrer Interaktion für Mann und Frau, für Verlangen und Begehren. Dann ist vom Crazy Chester die Rede, dem örtlichen Faktotum, von der jungen Anna Lee oder von Luke, der nur noch auf das Jüngste Gericht wartet. Eigentlich sollte der Erzähler nur ein paar Leute grüßen, steht aber immer wieder vor neuen Unwägbarkeiten, so dass er am Ende froh ist, den nächsten Zug (Cannon Ball) nehmen zu können, um endlich zu seiner Fanny zurückzufahren.

„Der Song ist pures Americana“, schreibt Peter Viney auf der Website von „The Band“. Und tatsächlich ermöglicht er auf engstem textlichem Raum allerlei amerikanische Assoziationen: Er hat biblische und religiöse Bezüge, er spielt mit Bildern des Kleinstadtlebens im Westen und dem Teufel, der quasi an jeder Ecke lauert. Er lässt Bigotterie genauso erahnen wie Liebe, Verlangen und Gewalt. Der Text ist in Panoptikum des alten, gefährlichen Amerika. Und auch seine Musik ist pures Americana. Sie eint in großartiger Weise Country, Rock, Soul und Gospel-Elemente.

Einer der wichtigsten Songs des Americana
Der Song ist unzählige Male gecovert worden. Die ersten waren Jackie DeShannon und Soul-Queen Aretha Franklin. Später waren es u.a. Joe Cocker oder Waylon Jennings, in den letzten Jahren dann Neo-Folker wie Mumford & Sons oder die Old Time-Musiker der „Old Crow Medicine Show“.  Und wie gesagt, mittlerweile ist der Song ein Klassiker und dient bei vielen All-Star-Treffen als großes Finale. Besonders denkwürdig war vor wenigen Tagen die gemeinsame Live-Version im Rahmen der „Americanarama-Tour“  von Jim James („My Morning Jacket“), Jeff Tweedy („Wilco“) und Mr. Bob Dylan. Als dann ausgerechnet der die Strophe mit dem „Chester“ singt, gibt es kein Halten mehr.

„The Weight“ war nie ein Hitparaden-Stürmer, ist aber ein gutes Beispiel dafür, wie ein Song über die Jahre an Reife gewinnt, ihm man endlich die Tiefe zugesteht, die er besitzt, und er – verbunden mit seinem größten Interpreten – eine Bedeutung bekommt, die seinesgleichen sucht. Einer der wichtigsten und schönsten Songs des Americana.

Hier zum Reinhören zwei Fassungen. Die vom Abschiedskonzert von „The Band“ (mit „The Staples“) und die von James/Tweedy/Dylan.

Selbstbildnis

20. Juli 2013

Ich gebe es gerne zu. Auch ich habe die Platte seit vielen Jahren im Regal und habe sie, wenn’s hochkommt, zweimal in meinem LebenSelf Portrait gehört. Der Vollständigkeit halber. Und sie seitdem nicht vermisst. Die Rede ist – Dylan-Afficionados wissen es längst – natürlich von „Self Portrait“. Der stets verkannten und oft verdammten Dylan-Scheibe von 1970.

Sie ist nun wieder in der Dylan-Welt in aller Munde. Denn ausgerechnet die Aufnahmen zu dieser Platte bilden die Basis und den Hintergrund für  die neueste Veröffentlichung der Bootleg-Series. Sicher, wir alle hätten was anderes lieber gehabt. Endlich mal wieder ein Live-Album, mit den besten Aufnahmen der Never-Ending-Tour. Oder die kompletten Dylan-Cash-Sessions. Oder die Bromberg-Sessions von 1992. Oder Outtakes der jüngsten Platten. Aber Self Portrait?

Und doch: Da man ja davon ausgehen kann, dass bei Sony nichts von Dylan veröffentlicht wird ohne seine Zustimmung, hatte er wohl zumindest nichts dagegen, etwas mehr Licht in diese Schaffensperiode zu bringen. Und so ist diese Ausgabe der Bootleg-Series für die Dokumentare und Archivisten unter den Dylan-Fans besonders wichtig. Aber: Die Platte kann mit einigen Jahren Abstand durchaus gehört werden. Denn sie dokumentiert nicht weniger als Dylans eigene Bestätigung der Basement Tapes: Dylan manifestiert sich in diesen Jahren als Künstler, der fest verortet ist in der Musik von Americana und Great American Songbook. Dylan als Rock-Avantgardist endete 1966. Seitdem ist er zwar weiterhin innovativ. Aber musikalisch eignet er sich nur mehr vorhandenes an, bzw. bringt es zusammen: Nach Rock meets Folk, nun Rock meets Country, Rock meets Medicine Show meets Commedia dell’arte (Rolling Thunder Review) , Rock meets Big Band (Welttournee 1978) , schließlich Rock meets Gospel (1979-81). Seine Genialität liegt in der der traumwandlerisch-bestechenden Mischung der musikalischen Versatzstücke und der kulturellen Ausdrucksformen,  die er nutzt, um auf ihnen große Songpoesie zu entfalten.

Doch hier auf Selbst-Porträt muss er die Versatzstücke und Genres erst mal finden und sich aneignen. Als Zeugnis künstlerischen Outputs ist Self Portrait weniger relevant. als Zeugnis künstlerischen Inputs umso mehr. Dieser Dylan – und das erinnert uns an manch frühes Konzert der Never Ending Tour- übt vor Publikum.

Ja und dann…dann habe ich mir Self Portrait doch ein bisschen schön gehört.  Wer das Album hat, sollte sich mal darauf einlassen. Manches kommt einem bekannt vor, manchem begegnet man in späteren Schaffensperioden wieder, manches hört sich wirklich gar nicht schlecht an. Und manches bleibt einfach obskur. Ein wichtiges Stück Dylan ist wieder entdeckt worden. Unerschöpflich diese Quelle…

Und hier zur musikalischen Untermalung ein schönes Video zu „Blue Moon“ in der Self Portrait-Fassung:

Neues vom New York Troubadour

8. Juli 2013

Unseren alten Freund Willie Nile hatten wir hier vor geraumer Zeit schon vorgestellt. Gehört von Musik, Texten und Haltung eindeutig in eine Liga mit Bruce Springsteen, Tom Petty oder Lou Reed, hat aber nie den großen Durchbruch geschafft. Ein ehrlicher Rocker, der wie kaum ein anderer einen unverstellten, aber stets von Zuwendung geprägten Blick auf  „sein“ New York und die amerikanischen Verhältnisse wirft. Musik, die sofort in Körper und Geist einzieht. Da verzeiht man ihm doch seine hin und wieder charmant eingestreuten musikalischen Klischees.

Nun hat er mit „American Ride“ ein neues Album vorgelegt. Und es ist wieder einmal neu und ganz vertraut. Mit unbeugsamer Liebe und einem Schuss Naivität lebt er weiter seinen amerikanischen Traum zwischen Road-Movie durch die weiten des Landes bis zum Song über die Bleecker Street in Greenwich Village. Willie bleibt Willie und Willie bleibt immer hörenswert.

Zum reinhören das Video zu American Ride:

Americana in der Ägäis

2. Juli 2013
Lyra and friends2013klein

Im Lyra And Friends

Kaum zu glauben. Selbst wenn wir nicht in die USA fahren, um dort eine Musikrundreise zu starten, finden wir viele Spuren des Americana. So jüngst auf Karpathos.

Dies ist eine kleine griechische Insel – zwischen Rhodos und Kreta gelegen – mit einer großen Verbindung zu den USA. Seit dem Ende des Krieges hat es immer wieder große Teile der Bevölkerung nach den Staaten gezogen. Entweder bleiben sie dort und kehren sporadisch auf Heimaturlaub zurück und unterstützen ihre hier gebliebene Verwandtschaft. Oder sie kehren nach vielleicht zwanzig Jahren heim und stecken Erspartes und Know-how in eine Firma, eine Taverne oder ein Hotel.

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Ricardos Auftritt

So wie Nikita, dem Chef des Three Dolphins, mit dem wir einen denkwürdigen ersten Urlaubsabend erlebten. Nikita war lange Jahre in Baltimore („The Lady came from Baltimore“!) ansässig. An diesem Abend trafen sich bei ihm in der Taverne zufällig zwei norwegische und zwei deutsche Dylan-Fans. Es wurde ein sehr amüsanter, anekdotenreicher Plausch über His Bobness. Einer der Norweger war seines Zeichens Singer-Songwriter mit Künstlername Ricardo (nicht Renaldo!).

Am kommenden Abend sang er neben dem Song über eine Fahrt mit der Mississippi Queen nach New Orleans und einige karpiothische Weisen, noch einen selbstgeschriebenen Song über Karpathos. Und mit Nikita unterhielten wir uns an einem weiteren Abend nicht nur über Bob Dylan, sondern auch über Willie Nelson.

Aber auch in unserer geliebten Hafenbar – ihr Name war natürlich auch ein Musikmotiv: Lyra and friends – gab es Anknüpfungspunkte an Amerika. Denn Antonis, den wir schon im letzten Jahr kennen und schätzen gelernt hatten, hatte diesmal Unterstützung von Ricky, einer jungen Amerikanerin. Und wo kam sie her? Aus Fargo! Wir alle kennen den faszinierenden Coen-Brüder-Film… Wahnsinn! Und Dylan wurde hier auch gespielt!

So war dieser Urlaub neben der vielen Erholung, die er uns geschenkt hat, auch auf seine Art wieder ein Americana- und Musikurlaub. Irgendwie kriegen wir das nicht los. Und warum auch? Es ist herrlich!

Der König von Greenwich Village

9. Mai 2013

Dave Van Ronk-Biographie liefert Vorlage für neuen Coen-Film/ Van Ronks Respekt vor Dylan

der-koenig-von-greenwich-villageWas haben die Coens schon für tolle Filme gemacht. Unser liebster – „O Brother, Where Art Thou?“ war ja auch vor allem wegen der Musik ein Meilenstein. Schließlich begründete er Anfang des Jahrtausends eine bis heute reichende Wiederentdeckung von Old-Time und Bluegrass-Musik und war auch Antriebsfeder für das damals noch junge  Americana-Genre.

Kein Wunder, dass wir uns viel vom neuesten Werk der Brüder versprechen. Schließlich spielt „Inside Llewyn Davis“ in der Folkszene in New York Anfang der 60er Jahre und irgendwie spielte unser Freund Bob Dylan da ja durchaus auch eine wichtige Rolle. Vor allem aber ist der Film an die Lebensgeschichte von Dave Van Ronk angelegt. Der zu jung war für die Alten wie Pete Seeger und Woody Guthrie und zu alt war für die Jungen wie Bob Dylan, Joan Baez und Phil Ochs.

Die Filmvorlage, Van Ronks Autobiographie „Der König von Greenwich Village“, die Elijah Wald mitgeschrieben hat, ist ein wirklich unterhaltsames Stück Zeitgeschichte. Man erfährt viel über die Szene in Greenwich und New York City in der bleiernen Eisenhower-Zeit, als man sich an Boheme und Beatniks orientierte, aber die Alte Linke noch existierte. Die in tausend Splittergruppen an den Sieg des Proletariats glaubte, während die Neue Linke bei den Kämpfen für Bürgerrechte und Frieden gerade geboren wurde. Und van Ronk legt die Finger in derer beider Wunden. Schöne Szene, als der alte Sozialist den jungen Linken sinngemäß erklärt: „Ich weiß, dass ich in ein paar Jahren immer noch Sozialist bin, während ihr dann Zahnärzte sein werdet.“ Sehr treffend.

Aber natürlich geht es in der Van Ronk-Biographie um die Musik. Um die Folkszene rund um den Washington Square, um die Clubs in Bleecker- und MacDougal-Street, in denen van Ronk seinerzeit eine bedeutende Figur war. Handelt von der Jazzszene, der alten Folkszene und vom Folkrevival, und dann taucht irgendwann auch Bob Dylan auf. Mit dem geht Van Ronk achtsam um. Zwar nimmt er kein Blatt vor den Mund bei der Angelegenheit, dass Dylan ohne ihn vorher zu fragen mit seinem Arrangement von „House Of The Rising Sun“ ins Aufnahmestudio gegangen ist, aber er schlägt hier durchaus versöhnliche Töne an. Er schätzt Dylan sehr, warnt aber stets davor, ihn zu überhöhen. Sehr ehrlich und nachvollziehbar sind dann die Schilderungen, wie er auf Distanz zum jungen, hippen Bobby geht. Der schreitet quasi als Folkprinz mit Hofstaat und Gefolge durchs Viertel und geriert sich als ziemlicher Angeber. Da will Dave nichts mit zu tun haben.

So kommt es wie so oft, wenn zwei große Egos – und das hatte Van Ronk, „Der König von Greenwich Village“, in der Tat, man spürt es in jeder Zeile – aufeinander prallen, da tut Abstand Not. Aber wie wir wissen ist das ja nur eine Seite der vielen Gesichter des Bob Dylan. Die andere, die auch immer wieder im Laufe seiner Karriere herauskommt, ist die verletzliche, schüchterne, fast zerbrechliche Seite. Man muss ich nur mal als Vergleich folgendes ansehen: Den selbstbewussten, biestigen und exzentrischen Star aus „Don’t Look Back“ 1965, den schüchternen, linkischen jungen Musiker aus der Johnny Cash-Show von 1969 und den kraftvollen Leader und Impresario der Rolling Thunder Konzerte im November 1975. Wie schrieb mal einer so treffend über Dylan: „Die menschlichste aller Stimmen, der unstimmigste aller Menschen…“

Doch Van Ronk vollzieht keinen offenen Bruch. Er trifft sich immer mal wieder mit Dylan, aber es wird nie mehr so nah sein, wie vor Dylans Durchbruch. Und verteidigt er ihn sogar gegenüber den Szene-Anfeindungen, als er angeblich keine politischen Lieder mehr singt und die E-Gitarre einstöpselt. Doch während Dylan zum Weltstar aufsteigt, bleibt Van Ronk ein Musiker, der trotz großer Fähigkeiten sich jeden Tag von neuem zur Decke strecken muss. Dass er dennoch keine Bitterkeit gegenüber Dylan aufkommen lässt, beweist seine menschliche Größe und seinen Respekt vor der künstlerischen Leistung Dylans. Ein weiterer Beweis: Bis zuletzt  – er starb 2002 – hatte er Dylan-Songs im Repertoire. Siehe unten „Buckets of Rain“ von 2001.

Vom Coen-Brüder-Film haben wir nur ein paar Sequenzen im Trailer (siehe unten) gesehen und wollen noch kein Urteil über ihn abgeben. Aber auch wenn dieses Buch nur sehr frei als Vorlage für „Inside Llewyn Davis“ gedient haben sollte: Für alle, die sich für die Folkszene und ihre Protagonisten interessieren, ist „Der König von Greenwich Village“ eine wahre Fundgrube. (Heyne-Taschenbuch/ 9,99 Euro).